In recent years the idea of “culture as resource” has been hailed as a new epistemological paradigm for assigning value and significance to artistic practice. This article acknowledges this idea as determining values assigned to art in the recent context of globalization. Yet it questions the heuristic hold of such an episteme for the interpretation of some cultural practices, especially those of musicians in a world where many of them are not so much administering resources as managing their scarcity. It thus explores the disjuncture between the idea of care of the self, invoked by using the performativity of culture as the basis of the resource paradigm, and the actual practices of musicians in promoting careers that demand investments of money, affect, time, and other resources in order to sustain those careers. In such situations, musicians often privilege other values of music—aesthetic desires, stylistic options, and so on—as primary epistemic and affective reasons for determining their choices and what they find valuable in music. I explore this through the work of two Colombian musicians with contrasting careers and musical styles and practices, Lucía Pulido and Charles King.

Este artículo aborda los debates en torno a la Ley de la Música Autóctona Tradicional Puertorriqueña, aprobada en el 2004, tomando en cuenta el complejo contexto en el que opera: un mercado musical profundamente asimétrico, cuyas dinámicas económicas, parámetros legales y valoraciones estéticas se ven atravesados por las tramas de la globalización y la condición colonial. Partiendo de un repaso histórico de las políticas culturales en Puerto Rico y de un examen de las transformaciones en las prácticas y representaciones de la música puertorriqueña en las últimas décadas, se analiza cómo los discursos sobre lo autóctono y lo tradicional, movilizados en defensa u oposición de la ley, se relacionan con asuntos sensitivos en la sociedad puertorriqueña contemporánea como lo son: el prejuicio racial, la desigualdad social y la subordinación política. Por otra parte, se abordan iniciativas y estrategias generadas por los propios músicos con el objetivo de preservar, transmitir, difundir y desarrollar las tradiciones musicales, al tiempo que agencian espacio laboral y capital simbólico.

Since 1993 to the present, a group of Mapuche activists has aired the bilingual radio show Wixage anai! in Santiago, Chile; on the other side of the Andes, another Mapuche collective, the Equipo de Comunicación Mapurbe, produced and broadcast a series of brief radio programs between 2003 and 2005 in Bariloche, southern Argentina. In this article, I argue that these radio programs constitute an exercise of Mapuche agency that challenges what I call the acoustic colonialism of corporate and criollo mass media in both countries. This article illustrates how Mapuche activists creatively use radio as a connective medium among Mapuche communities and a space for the public audibility of their own voices, sounds, and modes of speech. I analyze the history, cultural politics, and performative features of these two initiatives, engaging theoretical and critical views on sound media, state cultural policies, and politics of indigenous agency.

El presente artículo estudia la expansión de las tecnologías digitales en el mercado audiovisual del Perú, una de las economías emergentes de Sudamérica. Se argumenta que el arribo al Perú del video CD y del DVD propició el incremento exponencial de la piratería de productos audiovisuales y, a la vez, el desarrollo de una industria de videos controlada por sectores sociales populares, ajenos a la institucionalidad empresarial, cultural y política dominante. La base productiva de esta última está compuesta por microempresas formales dedicadas a la grabación y venta de videos orientados a segmentos de bajos ingresos en base a contenidos locales. La distribución, por su parte, es realizada principalmente a través de redes de piratería. El perfil de esta industria evidencia las tecnologías digitales facilitan la democratización de la producción, comercialización y consumo de imágenes, la ampliación de oportunidades para la circulación de contenidos audiovisuales distintos al gusto y canon euronorteamericano y la aparición de modelos de negocio abiertos que no dependen de los derechos de autor para acumular capital. Este artículo está estructurado en cinco partes. En las cuatro primeras analizamos el origen, cadena de valor, productos y modelos de negocio de la industria de videos. La última parte explica el fracaso de la lucha emprendida por el Estado contra la piratería y propone como alternativa promover economías lícitas a través de políticas culturales basadas en sistemas de información y financiamiento, así como en el equilibrio entre los derechos de autor y los derechos del consumidor.

En este artículo describimos algunas de las transformaciones culturales acaecidas en Buenos Aires en las últimas décadas con el desarrollo de una economía simbólica de la ciudad. Desde una perspectiva de políticas culturales analizamos el enfoque de las autoridades locales hacia la creatividad y la deriva de una noción de industrias culturales hacia otra de industrias creativas. Nos centramos en la raigambre y las implicaciones de esa mutación, señalando algunos problemas teóricos y metodológicos irresueltos tanto en el marco de la ciudad como en las propuestas nacionales e internacionales de las que abreva. Consideramos particularmente las derivaciones de iniciativas de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO, por sus siglas en inglés) y de la Conferencia de las Naciones Unidas para el Comercio y el Desarrollo (UNCTAD, por sus siglas en inglés). Sostenemos que los nuevos enfoques hacia las industrias creativas difuminan las políticas culturales de promoción de la diversidad cultural y los derechos culturales.

El presente artículo combina la reflexión académica con la propuesta política. Retoma la pregunta sobre la importancia de las políticas culturales e intenta fundamentar una nueva respuesta. Sostiene que las políticas culturales no pueden concentrarse únicamente en la pura organización de eventos. Más allá del fomento a la producción cultural, del establecimiento de mejores mecanismos para su circulación y de dirigirse a públicos diferenciados, el ensayo apuesta por una política cultural que apunte a la deconstrucción de los imaginarios hegemónicos, vale decir, al intento por intervenir en aquellos sentidos comunes que se encuentran hondamente afianzados en los habitus sociales. Si el capitalismo contemporáneo basa buena parte de su poder en la dominación simbólica, este ensayo entiende que los símbolos y la cultura en general son igualmente un lugar de respuesta.